🎵 힙합 프로듀싱: 강렬한 비트와 플로우 🎧
안녕하세요, 힙합 덕후 여러분! 오늘은 여러분과 함께 힙합 프로듀싱의 세계로 빠져볼 거예요. 강렬한 비트와 흐르는 듯한 플로우, 이게 바로 힙합의 매력 아니겠어요? ㅋㅋㅋ 지금부터 힙합 프로듀싱의 A to Z를 파헤쳐 볼 테니까, 편하게 이어폰 꽂고 따라와보세요! 🎶
잠깐! 🤔 혹시 여러분 중에 음악 제작에 관심 있으신 분 계신가요? 재능넷(https://www.jaenung.net)에서 다양한 음악 제작 관련 재능을 찾아보세요! 프로듀서, 작곡가, 믹싱 엔지니어 등 다양한 전문가들과 연결될 수 있답니다. 자, 이제 본격적으로 시작해볼까요?
1. 힙합의 역사: 어디서 시작됐을까? 🕰️
힙합, 이 장르가 어떻게 시작됐는지 아시나요? 1970년대 뉴욕 브롱크스에서 태어난 이 문화는 단순한 음악 장르를 넘어 하나의 라이프스타일이 되었어요. DJ Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa 같은 선구자들이 파티에서 브레이크 비트를 반복해 틀면서 시작된 게 바로 힙합의 시초랍니다.
힙합은 네 가지 요소로 구성돼요: MC'ing(랩), DJ'ing, Breaking(브레이크 댄스), 그리고 Graffiti Art(그래피티). 이 중에서 우리가 오늘 집중할 건 바로 MC'ing과 DJ'ing이에요. 이 두 가지가 합쳐져 우리가 아는 힙합 음악이 탄생한 거죠!
80년대에 들어서면서 힙합은 폭발적으로 성장했어요. Run-DMC, Beastie Boys, Public Enemy 같은 그룹들이 메인스트림에 진출하면서 힙합은 대중문화의 중심에 서게 됐죠. 90년대에는 Tupac, Notorious B.I.G., Nas, Jay-Z 같은 레전드들이 등장하면서 골든 에이지를 맞이했고요.
2000년대 들어서는 Eminem, Kanye West, Drake 같은 아티스트들이 힙합을 더욱 다양하고 실험적인 방향으로 이끌었어요. 그리고 지금? K-힙합의 시대라고 해도 과언이 아니죠! BTS, 지코, 창모... 우리나라 힙합 아티스트들이 전 세계를 휘어잡고 있잖아요? ㅎㅎ
재미있는 사실! 📚 힙합이라는 용어는 처음에는 'hip to the hop'이라는 구절에서 유래했다고 해요. DJ들이 파티에서 춤추는 사람들을 부추기기 위해 사용했던 말이었죠. 이게 나중에 줄여서 '힙합'이 된 거예요. 신기하지 않나요?
2. 힙합 비트의 해부학: 뼈대부터 살펴보자! 🦴
자, 이제 본격적으로 힙합 비트를 만들어볼 거예요. 근데 그전에, 힙합 비트의 구조부터 알아야겠죠? 힙합 비트는 크게 다음과 같은 요소로 구성돼요:
- 드럼 패턴: 킥, 스네어, 하이햇이 기본이에요.
- 베이스라인: 곡의 근간이 되는 낮은 음역대의 멜로디예요.
- 멜로디 샘플 또는 신스: 곡의 분위기를 결정짓는 주요 멜로디예요.
- 효과음: 곡에 재미를 더해주는 각종 사운드 이펙트예요.
이 요소들이 어우러져 우리가 듣는 강렬한 힙합 비트가 완성되는 거예요! 각 요소들을 자세히 살펴볼까요?
2.1 드럼 패턴: 힙합의 심장박동 💓
힙합의 심장, 바로 드럼이에요. 기본적인 힙합 드럼 패턴은 이렇게 생겼어요:
|X---X---X---X---| 하이햇
|----O-------O---| 스네어
|O-------O-------| 킥
1 2 3 4 1 2 3 4 (비트)
이게 바로 가장 기본적인 힙합 드럼 패턴이에요. 킥은 1박과 3박, 스네어는 2박과 4박에 위치하고, 하이햇은 8분음표로 일정하게 흘러가죠. 하지만 이건 정말 기본 중의 기본! 실제로는 이걸 변형해서 더 복잡하고 흥미로운 패턴을 만들어내요.
예를 들어, 트랩 스타일의 힙합에서는 하이햇 대신 16분음표로 빠르게 움직이는 하이햇 롤을 사용하기도 해요. 킥도 더 자주 등장하고요. 이런 식으로요:
|X-X-X-X-X-X-X-X-| 하이햇 롤
|----O-------O---| 스네어
|O--O--O-O--O----| 킥
1 2 3 4 1 2 3 4 (비트)
드럼 패턴을 만들 때 주의할 점은 뭘까요? 바로 '그루브'예요! 단순히 정확한 타이밍에 맞춰 소리를 내는 게 아니라, 약간의 '느슨함'을 줘서 리듬감을 살리는 거죠. 이걸 '스윙'이라고도 해요. 완벽하게 정확한 것보다는 살짝 어긋나는 듯한 느낌이 오히려 더 자연스럽고 그루비한 느낌을 줄 수 있어요.
프로 팁! 🎓 드럼 패턴을 만들 때는 실제 드러머의 연주를 상상해보세요. 두 개의 손과 두 개의 발로 연주할 수 있는 패턴인지 생각해보면, 더 자연스러운 패턴을 만들 수 있어요!
2.2 베이스라인: 곡의 기초를 다지다 🏗️
베이스라인은 곡의 화성적 기초를 제공하면서 동시에 리듬감도 더해주는 중요한 요소예요. 힙합에서 베이스는 주로 낮고 묵직한 음색을 사용해요. 808 베이스 같은 신스 사운드를 많이 쓰죠.
베이스라인을 만들 때는 킥 드럼과의 관계를 잘 고려해야 해요. 보통 킥과 베이스가 같이 움직이면 더 강렬한 느낌을 줄 수 있어요. 하지만 항상 그래야 하는 건 아니에요. 때로는 킥과 베이스가 서로 다른 리듬을 타면서 더 복잡하고 흥미로운 그루브를 만들어낼 수도 있죠.
예를 들어, 이런 식의 베이스라인을 생각해볼 수 있어요:
|O---O---O---O---| 킥
|O-O-O-O-O-O-O-O-| 베이스
1 2 3 4 1 2 3 4 (비트)
여기서 킥은 매 박자마다 한 번씩 나오지만, 베이스는 8분음표로 계속 움직이고 있어요. 이렇게 하면 킥이 주는 강렬함과 베이스가 주는 흐름이 잘 어우러질 수 있죠.
베이스 사운드를 선택할 때는 곡의 분위기를 잘 고려해야 해요. 808 베이스 같은 긴 sustain을 가진 사운드를 쓸 건지, 아니면 짧고 타이트한 베이스 사운드를 쓸 건지는 곡의 템포나 스타일에 따라 달라질 수 있어요.
알아두면 좋은 팁! 💡 베이스라인을 만들 때는 '적을수록 좋다'는 원칙을 기억하세요. 너무 복잡한 베이스라인은 오히려 곡을 산만하게 만들 수 있어요. 단순하지만 강력한 베이스라인이 힙합에서는 더 효과적일 때가 많답니다!
2.3 멜로디 샘플 또는 신스: 곡의 얼굴을 만들다 😎
자, 이제 드럼과 베이스로 기초를 다졌으니 멜로디를 얹을 차례예요. 힙합에서 멜로디는 주로 두 가지 방식으로 만들어져요: 샘플링과 신디사이저 사용.
1) 샘플링
샘플링은 힙합의 역사와 함께해온 전통적인 방식이에요. 다른 곡의 일부분을 잘라내서 새로운 맥락에서 사용하는 거죠. 초기 힙합 프로듀서들은 vinyl 레코드에서 브레이크 비트를 샘플링해서 사용했어요.
샘플링의 장점은 독특하고 아날로그적인 질감을 곡에 더할 수 있다는 거예요. 하지만 주의할 점도 있어요. 바로 저작권 문제죠. 타인의 음악을 무단으로 사용하면 법적 문제가 생길 수 있으니 꼭 허가를 받고 사용해야 해요!
2) 신디사이저 사용
요즘에는 디지털 신디사이저(줄여서 '신스')를 사용해 멜로디를 만드는 경우가 많아요. 신스를 사용하면 무한한 가능성이 열리죠. 원하는 대로 사운드를 조절할 수 있으니까요.
신스로 멜로디를 만들 때는 이런 점들을 고려해보세요:
- 곡의 분위기에 맞는 음색 선택
- 단순하지만 기억에 남는 멜로디 라인
- 리듬과 잘 어우러지는 멜로디 패턴
- 적절한 음역대 선택 (보통 중간~높은 음역대를 사용해요)
멜로디를 만들 때 주의할 점은 뭘까요? 바로 '공간'이에요. 랩 보컬이 들어갈 자리를 남겨둬야 해요. 멜로디가 너무 복잡하거나 계속해서 나오면 보컬이 들어갈 자리가 없겠죠? 적절히 멜로디를 넣었다 뺐다 하면서 보컬을 위한 공간을 만들어주세요.
창의적인 아이디어! 🎨 멜로디를 만들 때 '대화'를 상상해보세요. 마치 두 사람이 대화를 나누듯이, 서로 다른 악기나 사운드로 '주고받는' 멜로디를 만들어보는 거예요. 이렇게 하면 더 역동적이고 흥미로운 멜로디를 만들 수 있답니다!
2.4 효과음: 곡에 생기를 불어넣다 🌟
마지막으로 효과음이에요. 효과음은 곡에 재미와 특색을 더해주는 요소예요. 힙합에서 자주 사용되는 효과음에는 이런 것들이 있어요:
- Scratch 사운드: DJ가 레코드를 긁는 소리를 흉내낸 효과음이에요.
- Vocal Chops: 목소리를 짧게 자른 후 리듬에 맞춰 배치한 효과음이에요.
- Risers와 Downlifters: 긴장감을 고조시키거나 해소시키는 데 사용되는 효과음이에요.
- Impacts: 강한 충격음으로, 주로 새로운 섹션이 시작될 때 사용돼요.
효과음을 사용할 때 주의할 점은 '과유불급'이에요. 너무 많은 효과음을 사용하면 오히려 곡이 산만해질 수 있어요. 적재적소에 효과음을 배치해서 곡의 흐름을 자연스럽게 만드는 게 중요해요.
자, 이렇게 해서 힙합 비트의 기본 요소들을 모두 살펴봤어요. 이제 이 요소들을 어떻게 조합해서 멋진 비트를 만들 수 있는지 알아볼까요?
3. 비트 메이킹의 기술: 이론에서 실전으로! 🛠️
자, 이제 실제로 비트를 만들어볼 시간이에요! 비트 메이킹은 마치 요리와 같아요. 재료(사운드)를 준비하고, 레시피(음악 이론)를 참고하면서, 자신만의 독특한 맛(스타일)을 더하는 거죠. 그럼 시작해볼까요?
3.1 DAW 선택: 나만의 주방을 고르자 🍳
비트 메이킹을 시작하려면 먼저 DAW(Digital Audio Workstation)를 선택해야 해요. DAW는 음악 제작을 위한 소프트웨어예요. 주로 사용되는 DAW에는 이런 것들이 있어요:
- FL Studio: 직관적인 인터페이스로 초보자들에게 인기가 많아요.
- Ableton Live: 라이브 퍼포먼스에 강점이 있어 많은 프로듀서들이 선호해요.
- Logic Pro: Mac 사용자들에게 인기 있는 DAW예요.
- Pro Tools: 업계 표준으로 여겨지는 전문가용 DAW예요.
어떤 DAW를 선택하든 기본적인 기능은 비슷해요. 중요한 건 자신에게 가장 편한 것을 고르는 거예요. 대부분의 DAW는 무료 체험 버전을 제공하니, 여러 개를 써보고 결정하는 것도 좋은 방법이에요.
초보자를 위한 팁! 🔰 처음 시작할 때는 너무 복잡한 DAW보다는 사용하기 쉬운 것을 선택하세요. FL Studio나 GarageBand(Mac 전용) 같은 DAW가 좋은 선택이 될 수 있어요. 기본기를 익힌 후에 더 전문적인 DAW로 옮겨가는 것도 좋은 방법이에요!
3.2 사운드 선택: 최고의 재료를 고르자 🥕
좋은 비트를 만들려면 좋은 사운드가 필요해요. 사운드를 고를 때는 이런 점들을 고려해보세요:
- 품질: 고품질의 샘플과 신스 프리셋을 사용하세요.
- 적합성: 만들고자 하는 곡의 스타일에 맞는 사운드를 선택하세요.
- 독창성: 너무 흔한 사운드는 피하고, 독특한 사운드를 찾아보세요.
- 조화: 다른 요소들과 잘 어울리는 사운드를 고르세요.
사운드를 구할 수 있는 곳은 많아요. DAW에 기본으로 제공되는 사운드를 사용할 수도 있고, 온라인에서 무료 또는 유료 샘플 팩을 구입할 수도 있어요. 또는 직접 녹음하거나 신디사이저로 만들 수도 있죠.
하지만 기억하세요. 좋은 사운드가 좋은 비트를 보장하지는 않아요. 중요한 건 그 사운드를 어떻게 사용하느냐예요!
3.3 비트 구조 잡기: 레시피를 따라 요리하자 📝
이제 실제로 비트를 만들어볼 거예요. 힙합 트랙의 기본 구조는 보통 이렇게 되어 있어요:
- 인트로: 4~8마디
- 버스 1: 16마디
- 훅(후렴): 8마디
- 버스 2: 16마디
- 훅: 8마디
- 브릿지: 8마디
- 훅: 8마디
- 아웃트로: 4~8마디
이건 기본적인 구조고, 실제로는 더 다양한 변형이 가능해요. 중요한 건 곡의 흐름을 잘 만드는 거예요. 긴장감을 쌓았다가 해소하고, 지루하지 않게 새로운 요소를 계속 추가하는 식으로요.
비트를 만들 때는 이런 순서로 진행해보세요:
- 드럼 패턴 만들기
- 베이스라인 추가하기
- 주요 멜로디 요소 넣기
- 보조 멜로디나 화음 넣기
- 효과음 추가하기
각 단계마다 8마디 정도의 루프를 만들고, 그걸 복사해서 전체 구조를 잡아가는 게 좋아요. 그리고 섹션마다 약간씩 변화를 주면서 곡의 흐름을 만들어가세요.
프로듀서의 비밀! 🤫 모든 요소를 한 번에 넣지 마세요. 처음에는 기본적인 요소만으로 시작하고, 점점 새로운 요소를 추가해가면서 곡의 흐름을 만들어가세요. 이렇게 하면 곡에 '이야기'가 생기고, 듣는 사람을 계속 집중시킬 수 있어요!
3.4 믹싱과 마스터링: 요리의 마무리를 하자 👨🍳
비트의 기본 구조를 다 잡았다면, 이제 믹싱과 마스터링 단계예요. 이 단계에서는 각 요소들의 밸런스를 잡고, 전체적인 사운드를 다듬어요.
믹싱 단계에서 할 일:
- 레벨 조정: 각 트랙의 볼륨을 조절해 적절한 밸런스를 잡아요.
- 패닝: 스테레오 공간에 각 요소를 배치해요.
- EQ: 각 요소의 주파수를 조절해 서로 충돌하지 않게 해요.
- 컴프레션: 다이나믹 레인지를 조절해 소리를 더 꽉 차게 만들어요.
- 이펙트 추가: 리버브, 딜레이 등을 사용해 공간감을 만들어요.
믹싱의 핵심은 '분리'와 '통일'이에요. 각 요소가 서로 방해하지 않으면서도, 전체적으로는 하나로 어우러지게 만드는 거죠.
마스터링 단계에서 할 일:
- 전체 EQ: 전체적인 주파수 밸런스를 조절해요.
- 전체 컴프레션: 전체적인 다이나믹을 조절해요.
- 스테레오 이미징: 스테레오 폭을 조절해요.
- 리미팅: 최종 볼륨을 높이고 피크를 제어해요.
마스터링은 곡의 '마지막 터치'예요. 이 단계에서는 곡이 다양한 재생 환경(이어폰, 스피커, 자동차 등)에서 잘 들리도록 조절하는 게 중요해요.
전문가의 조언! 🎧 믹싱과 마스터링을 할 때는 다양한 스피커와 헤드폰으로 들어보세요. 각각 다른 특성을 가지고 있어서, 여러 환경에서 들어봐야 균형 잡힌 사운드를 만들 수 있어요. 또한, 귀를 쉬게 하는 것도 중요해요. 장시간 작업하면 귀가 피로해져서 정확한 판단이 어려워질 수 있답니다!
4. 힙합 프로듀싱의 고급 기술: 프로의 길로! 🏆
기본적인 비트 메이킹 방법을 익혔다면, 이제 좀 더 고급 기술을 배워볼 차례예요. 이런 기술들을 익히면 여러분의 비트가 한층 더 프로페셔널해질 거예요!
4.1 샘플링의 예술: 옛것에서 새것을 만들다 🎭
샘플링은 힙합의 핵심 기술 중 하나예요. 다른 음악의 일부를 가져와 새로운 맥락에서 사용하는 거죠. 하지만 단순히 잘라내기/붙여넣기가 아니에요. 진정한 샘플링의 예술은 원본을 창의적으로 변형하는 데 있어요.
샘플링 기술:
- 초퍼핑(Chopping): 샘플을 작은 조각으로 자르고 재배열하는 기술
- 피치 시프팅: 샘플의 음높이를 변경하는 기술
- 타임 스트레칭: 샘플의 속도를 변경하는 기술
- 레이어링: 여러 샘플을 겹쳐 새로운 사운드를 만드는 기술
샘플링의 핵심은 '재해석'이에요. 원본의 분위기를 완전히 바꾸거나, 숨겨진 아름다움을 끌어내는 거죠. 마치 고철에서 예술 작품을 만들어내는 것과 같아요!
법적 주의사항! ⚖️ 샘플을 사용할 때는 항상 저작권에 주의해야 해요. 상업적으로 음악을 발매할 계획이라면, 반드시 원작자의 허가를 받거나 로열티를 지불해야 해요. 아니면 저작권 프리 샘플을 사용하는 것도 좋은 방법이에요!
4.2 리듬의 마법: 그루브 만들기 🕺
힙합의 심장은 바로 그루브예요. 그루브는 단순히 정확한 리듬이 아니라, 음악에 생명을 불어넣는 요소예요. 어떻게 하면 더 그루비한 비트를 만들 수 있을까요?
그루브를 만드는 기술:
- 스윙 적용: 완벽하게 정확한 리듬 대신 약간의 '흔들림'을 주는 기술
- 고스트 노트: 아주 작은 소리로 리듬을 채우는 기술
- 마이크로 타이밍: 노트의 타이밍을 미세하게 조절하는 기술
- 벨로시티 변화: 각 노트의 강약을 조절해 리듬감을 살리는 기술
그루브를 만들 때 중요한 건 '인간미'예요. 너무 완벽하고 기계적인 리듬은 오히려 그루브를 해칠 수 있어요. 약간의 불완전함이 오히려 더 자연스럽고 그루비한 느낌을 줄 수 있죠.
실전 팁! 🥁 실제 드러머의 연주를 들어보세요. 그들의 리듬이 어떻게 흐르는지, 어떤 식으로 강약을 주는지 관찰해보세요. 그리고 그 느낌을 여러분의 비트에 적용해보세요. 리듬 악기를 직접 연주해보는 것도 그루브 감각을 키우는 좋은 방법이에요!
4.3 사운드 디자인: 나만의 색깔 만들기 🎨
프로 프로듀서들의 비밀 무기 중 하나는 바로 사운드 디자인이에요. 기성 샘플이나 프리셋을 그대로 사용하는 대신, 자신만의 독특한 사운드를 만들어내는 거죠.
사운드 디자인 기술:
- 신디사이저 프로그래밍: 기본 파형부터 시작해 복잡한 사운드 만들기
- 리샘플링: 만든 사운드를 다시 샘플로 만들어 재가공하기
- 레이어링: 여러 사운드를 겹쳐 새로운 사운드 만들기
- 이펙트 체이닝: 여러 이펙트를 연결해 사운드 변형하기
사운드 디자인의 핵심은 '실험 정신'이에요. 기존의 규칙에 얽매이지 말고, 새로운 방식으로 사운드를 만들어보세요. 때로는 실수에서 멋진 사운드가 탄생하기도 해요!
창의적인 도전! 🚀 하루에 하나씩 새로운 사운드를 만들어보는 건 어떨까요? 주변의 소리를 녹음해서 변형해보거나, 신디사이저로 이상한(?) 소리를 만들어보세요. 이런 실험들이 쌓여서 여러분만의 독특한 사운드 팔레트가 만들어질 거예요!
4.4 편곡의 기술: 이야기 만들기 📖
좋은 비트는 단순히 반복되는 게 아니라, 하나의 이야기를 들려주는 것과 같아요. 시작, 전개, 절정, 결말이 있는 거죠. 이걸 가능하게 하는 게 바로 편곡 기술이에요.
효과적인 편곡 기술:
- 빌드업과 브레이크다운: 긴장감을 쌓았다가 해소하는 기술
- 필터 스윕: 필터를 사용해 점진적으로 사운드를 변화시키는 기술
- 드롭: 갑작스러운 변화로 임팩트를 주는 기술
- 레이어 추가/제거: 점진적으로 요소를 추가하거나 제거하는 기술
편곡을 할 때는 '흐름'을 생각하세요. 듣는 사람이 지루해하지 않도록, 계속해서 새로운 요소를 추가하거나 변화를 주는 거예요. 하지만 너무 많은 변화도 좋지 않아요. 적절한 반복과 변화의 균형이 중요해요.
프로듀서의 비밀 무기! 💼 '8마디 규칙'을 기억하세요. 보통 8마디마다 작은 변화를, 16마디마다 큰 변화를 주는 게 좋아요. 물론 이건 절대적인 규칙은 아니지만, 편곡을 시작할 때 좋은 가이드라인이 될 수 있어요!
5. 나만의 스타일 찾기: 진정한 아티스트로 거듭나기 🌟
자, 여기까지 왔다면 여러분은 이제 꽤 괜찮은 비트를 만들 수 있을 거예요. 하지만 진정한 아티스트가 되기 위해서는 한 걸음 더 나아가야 해요. 바로 '나만의 스타일'을 찾는 거죠.
5.1 영감 얻기: 모방에서 창조로 🦋
모든 위대한 아티스트들도 처음에는 누군가를 모방하면서 시작했어요. 하지만 그들은 거기서 멈추지 않고, 자신만의 독특한 스타일을 발전시켰죠.
영감을 얻는 방법:
- 다양한 장르의 음악 듣기
- 좋아하는 프로듀서의 비트 분석하기
- 자연의 소리나 일상의 소음에서 영감 얻기
- 다른 예술 형식(영화, 그림 등)에서 아이디어 얻기
중요한 건 '모방'에서 시작해서 '창조'로 나아가는 거예요. 다른 사람의 스타일을 그대로 베끼는 게 아니라, 그것을 바탕으로 자신만의 독특한 색깔을 만들어내는 거죠.
창의력 개발 팁! 💡 '무작위 제약' 게임을 해보세요. 예를 들어, '오직 3개의 악기만 사용해서 비트 만들기' 또는 '특정 영화의 분위기를 힙합 비트로 표현하기' 같은 미션을 정해보세요. 이런 제약이 오히려 창의력을 자극할 수 있어요!
5.2 실험하기: 경계를 넘어서 🚀
자신만의 스타일을 찾기 위해서는 끊임없이 실험해야 해요. 기존의 규칙을 깨고, 새로운 시도를 해보는 거죠.
실험적인 접근 방법:
- 의외의 장르 믹스하기 (예: 힙합 + 클래식)
- 전통적이지 않은 악기 사용하기
- 특이한 리듬 패턴 시도하기
- 극단적인 사운드 프로세싱 사용하기
실험을 할 때는 '실패'를 두려워하지 마세요. 모든 실험이 성공적일 순 없어요. 하지만 그 과정에서 여러분은 계속 성장하고, 결국 자신만의 독특한 스타일을 찾게 될 거예요.
마인드셋 팁! 🧠 '나쁜' 비트는 없어요. 단지 '아직 완성되지 않은' 비트가 있을 뿐이죠. 만족스럽지 않은 결과물이 나와도 낙담하지 말고, 그것을 새로운 아이디어의 출발점으로 삼으세요!
5.3 피드백 받기: 성장의 열쇠 🔑
자신만의 스타일을 발전시키는 데 있어 가장 중요한 것 중 하나가 바로 피드백이에요. 다른 사람들의 의견을 듣고 배우는 것, 그리고 그것을 바탕으로 계속 발전해 나가는 것이 중요해요.
효과적인 피드백 받기:
다른 프로듀서들과 작업물 공유하기온라인 음악 커뮤니티에 참여하기
